[Nuevo volumen] ¿Cuál es la última película que habéis visto?

[Super8]

Recientemente se ha estrenado La virgen roja (Paula Ortiz, 2024), película basada en uno de los casos más notorios de huella del crimen en la historia de este corral que se llama España: el asesinato con confesión, por su madre, en los años de la segunda república, de la escritora feminista Hildegart, que la madre consideraba -al parecer- obra propia. El hecho fue recogido en un libro por el compañero Eduardo de Guzmán. En el tratamiento que hace Paula Ortiz, el trasfondo social de esta lúgubre tragedia queda bastante diluido: en lugar de luchas sociales y de poder o por el poder, el caso de Hildegart parece reducirse a un conflicto entre ideales y hormonas, siendo la película partidaria del triunfo de las segundas. En imagen, más que conflictos sociales, aparece una especie de ballet de terror, con Najwa Nimri desaprovechada poniendo caras de señorita Rottermeier al acecho de la lozana de su hija, y con subrayados musicales y visuales particularmente burdos. En fin, igual no se puede esperar mucho más en tiempos de amazon -productora de la película- y no es una mala noticia que en un producto de masas una feminista de rompe y rasga aparezca como personaje positivo y llorable por las multitudes. Los del psoe quedan como buena gente en el fondo, y los anarquistas como gente sórdida.



La historia, en la versión de Eduardo de Guzmán, ya se llevó al cine made in spain en los años setenta como Mi hija Hildegart, excelentemente dirigida por Fernando Fernán-Gómez. Es película con más información sobre el entorno social y de conductas que rodeó a Hildegart y su madre, quizás por un asunto generacional: los artífices de la película -el propio Guzmán, Fernán-Gómez, Rafael Azcona o Amparo Soler Leal como madre de Hildegart- tenían más experiencia y cosas que decir de la época y sus condicionantes que quienes la han hecho ahora, sin que ello vaya en contra de estos. Eso sí, pese a que algunas críticas defienden a La virgen roja como la versión "al fin feminista" de la historia de Hildegart, no cabe duda de que la versión de los setenta tenía también su punto feminista, especialmente en su extraordinaria última secuencia que patea de vuelta la pelota a la audiencia, por parte de las mujeres oprimidas en el mundo que Hildegart no pudo contribuir a cambiar.

Esta habiendo cierta polémica porque la película no reconoce el papel de Eduardo de Guzmán en la transmisión de los hechos a través de sus libros, ni el de la reedición de estos, en edición crítica e ilustrada, por la editorial La linterna sorda. Los libros de Hildegart están en la red: https://bdh.bne.es/bnesearch/q/HILDEGART

[Super8]

Si tenéis acceso a Filmin, pues allí podéis ver una extraordinaria película en blanco y negro, con gente hablando sin parar: Eva al desnudo - All About Eva (Joseph Leo Mankiewicz). En sus años, se llevó varios oscar de las categorías importantes. Bette Davis está excelente -junto al resto del magnífico reparto- incluso para quienes, a saber por qué, no les guste Bette Davis.



"La diferencia entre la vida y el cine reside en que en un guión de cine todo ha de tener sentido, en la vida no" (Joseph Leo Mankiewicz); preguntaros por qué.

“El todopoderoso Darryl F. Zanuck quedó sobrecogido por el guión, y –algo insólito en él- sólo le aplicó un cambio: sustituir el título original –‘Best Performance’- por el que ha pasado a la historia: ‘All About Eve / Eva al desnudo’”.



Reportaje de Virginia García de Diego por el setenta aniversario de la película para 'Días de cine': https://www.rtve.es/play/videos/dias-de ... o/5700526/







Creo que la gente que estamos en movimientos sociales le podemos encontrar bastante punta a esta acidísima comedia.

[otsabide]

En el tratamiento que hace Paula Ortiz, el trasfondo social de esta lúgubre tragedia queda bastante diluido: en lugar de luchas sociales y de poder o por el poder, el caso de Hildegart parece reducirse a un conflicto entre ideales y hormonas, siendo la película partidaria del triunfo de las segundas. En imagen, más que conflictos sociales, aparece una especie de ballet de terror, con Najwa Nimri desaprovechada poniendo caras de señorita Rottermeier al acecho de la lozana de su hija, y con subrayados musicales y visuales particularmente burdos. En fin, igual no se puede esperar mucho más en tiempos de amazon -productora de la película- y no es una mala noticia que en un producto de masas una feminista de rompe y rasga aparezca como personaje positivo y llorable por las multitudes. Los del psoe quedan como buena gente en el fondo, y los anarquistas como gente sórdida.

Rayos, la has vapuleado pero bien, eh? A mí me gustó bastante, hasta me sacó la lagrimilla en algún momento. Pero creo que tras un análisis más frío tienes razón, esta gente del cine sabe las teclas que hay que sacar para llegar a las tripas de los espectadores y llevarnos a donde quieren.

Técnicamente, la película me pareció impecable. Najwa Nimri (que no es una actriz a la que admiro especialmente) me sorprendió para bien, en un registro interpretativo que no me esperaba, que evoluciona a lo largo de la peli. Tenía curiosidad de ver qué tratamiento daban a la historia -si la dirección/producción era facha, se iban a cebar- pero eso también me gustó: filoizquierdista, pero con lugar a la autocrítica.

[Super8]

Rayos, la has vapuleado pero bien, eh?

Pues, qué quieres que te diga, aquí tienes a la directora defendiendo la película, y yo creo que empeora la cosa.

[Saranarca]

Pues, qué quieres que te diga, aquí tienes a la directora defendiendo la película, y yo creo que empeora la cosa.

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Lo que nos cuenta Ana Muiña de la película sobre Hildegart, "la Virgen Roja":
¡Derechos para todas!
A vueltas con nuestro libro de Hildegart , el film La Virgen Roja y las manos ocultas que nos silencian, con un estilo propio de El Padrino.
Desde hace unos días, las entradas en las wikipedias de Hildegart y de Aurora Rodríguez han sido modificadas y "alguien" ha hecho desaparecer todas las referencias a nuestro libro, "Aurora de sangre. Vida y muerte de Hildegart" de Eduardo de Guzmán, editado e introducido con una semblanza biográfica de Hildegart muy novedosa a cargo de Ana Muiña, que ha sido un referente para obras posteriores, a la que también han hecho desaparecer. El motivo: para que quien consulte la wiki no vea nada referido al ÚNICO LIBRO que es la fuente documental primaria de todo lo que se haya escrito y filmado después. Por contra, han manipulado la wiki poniendo en la cabecera que a Hildegart se la conocía por La virgen roja, y lo ponen en varios idiomas, para promocionar exclusivamente el film, y meten una entrada de la película 'La virgen roja' extensísima donde figura hasta el apuntador, quitándonos a las demás nuestra entrada detallada. Esto es muy grave, es utilizar lo común y lo compartido para fines exclusivos de las grandes multinacionales cinematográficas, cuyo único fin es forrarse a costa de personajes revolucionarios como Hildegart y de autoras/es y editoriales libertarias, que ni tan siquiera podemos vivir de nuestro trabajo creativo.
Este film está producido por las grandes multinacionales Amazon MGB Studio y Amazon Prime. No es una película de bajo presupuesto, ni una obra de teatro alternativo, a la que apoyaríamos sin pensarlo, y que de seguro actuaría más noblemente.
La propia directora, solo preocupada por que la gente vaya a ver su película, jamás ha contactado con nuestra editorial para pedirnos autorización. Ayer se permitió poner en Instagram una nota diciendo que la película estaba basada en nuestro libro. Al poco, quitó dicha nota.
Le contestamos que: "Reclamamos los derechos legales y éticos que tenemos La linterna sorda en esta película. Todas las directoras y las productoras lo hacen así. Sino es usurpación. Si vosotras tenéis unos derechos creativos y laborales, esos mismos derechos reclamamos La linterna sorda, elegida legalmente por la familia de Eduardo de Guzmán para publicar sus obra. Nos une una larga amistad con las varias generaciones de los Guzmán, que tienen sus herederos. ¡Derechos para todas!".

[Super8]

Suponer es gratis. Supongo que la película Yo soy Nevenka (Icíar Bollaín, 2024) creará o mantendrá conciencia feminista, impulsará la idea de que ningún acosador sexual o de género debe permanecer en cargos públicos, societarios, comités, etc., y de que ninguna mujer o persona no normativa tiene que estar sola frente a sus agresores. Bien hallada su difusión, que esté en muchas televisiones, etc. Dicho esto, la película es, como otras películas de "reconstrucción de hechos reales" -en este caso el acoso sufrido y respondido a principios de siglo por la concejal de Ponferrada Nevenka Fernández a manos del cacique local-, es tan artificial y superficial como una de superhéroes de la marvel: la de superhéroes busca deslumbrar con efectos especiales que ocultan su vacío, las de hechos reales lo hacen con actores "pareciéndose a" o "haciendo sentir lo que x debió sentir" y una exhibición de verosimilitud -tanto mayor en 'Yo soy Nevenka', que no se pudo rodar en el lugar de los hechos- que sustituyen al análisis o a un lenguaje que pueda incomodar a la audiencia. Y en fin, en la parte negativa, y dejando aparte que en la película el movimiento feminista no existe: cargar contra Alfredo Urdaci o Ana Rosa Quintana -por el tratamiento periodístico que dieron en su día a las denuncias de Nevenka Fernández- es cargar contra presas fáciles, mientras se omite en la película la actitud pública y publicada de Amancio Prada ante los hechos, o mientras fuera de la película, como ha indicado Ane Lindane, miramos al techo cuando se nos pregunta por Carlos Vermut.

[Super8]

De la película de "horror corporal" -de cuerpo humano transformándose en cuerpo visceralmente monstruoso y fuente de miedo/asco- que está despertando estos días tanta expectativa, La sustancia (Coralie Fargeat, 2024), tengo que decir que me ha gustado poco como película de cine fantástico, pero que a nivel formal tiene sus puntos de interés.

Película sonora hasta la alevosía -con una banda sonora que teledirige a la audiencia- es, sin embargo, una película prácticamente muda -y las frases hechas que se pronuncian en los pocos diálogos y discursos seguro que podrían haberse omitido y sustituido por otro recurso si la película hubiese querido ser más radical-, pero muda para el siglo XXI. Muda, sí, pero no con afán retrospectivo; su montaje percutante y su avance a golpe de letreros e imágenes de impacto parece buscar un ritmo propio para el cine de tiempos de los contenidos para redes, del dedito moviendo fotos en cascada, pero sin renunciar a usar términos exclusivamente visuales para transmitir -a un nivel abocetado, menos da una piedra- esos cuestionamientos de la idea de identidad personal que permiten las tramas de ciencia ficción.

Desdichadamente, estas virtudes se quedan en el momento del planteamiento y del nudo de la película: en su tercer tiempo, y tras un giro de guión entre demagógico y moralista, la película se limita a gastar la parte inflada de presupuesto de efectos especiales, en medio de tópicos manidos.

[Super8]

No me ha resultado simpática, pero hay que reconocerle un par de méritos a Joker - Folie à deux (Todd Philips, 2024): exponer bien la mierda retrograda en la que consisten una cárcel y sus empleados, y haber frustrado la habitual estética Made in Usa de asesinatos catárticos que ofrecía su primera parte, Joker (2019), con un tratamiento más desafiante y elaborado. En cierto modo, pasa como con El padrino II (1974), que hacía más interesante a su convencional antecesora, al convertirla en su propio preludio como película arriesgada.

Folie à deux es en efecto una fórmula arriesgada en su lenguaje: demasiado para el mercado de superhéroes y castigada por su productora y su distribuidora -no por la taquilla, sino por autosabotaje-. Phillips retoma la idea de contraste entre lenguaje musical y lenguaje dramático de, por ejemplo, Pennies from heaven (Herbert Ross, 1982) o Bailar en la oscuridad (Lars von Trier, 2000), aunque con su propia finalidad ideológica: lo que en la película de von Trier era una meditada apuesta de denuncia multinivel del fatalismo -emocional y racional a la vez-, aquí es una vuelta de tuerca al miedo, al deslizarnos hacia el hecho de que podemos compartir sentimientos -la convención que en el cine comercial identifica sentimientos- con encarnaciones de lo peor de la condición humana...

Porque eso sí, aunque la película va de ambivalente y cuestionadora, su punto de llegada es, como en la primera parte, una visión precisamente fatalista, humillante y descorazonadora, de la presuntamente destructiva naturaleza humana, y, a la larga, propaganda de la represión policial que en principio denuncia -y un perfeccionamiento machista al intentar promover la compasión por el desdichado Arthur Fleck, que si en la primera no follaba, pobrecillo, ahora folla pero se queda sin ser papá-. Eso sí, LadyGaga se impone en la función a base de carisma y una actuación excelente.

Para la reflexión que coincidan en cartelera ésta y La sustancia (Coralie Fargeat. 2024), con sus desdoblamientos y su virtuosismo a la hora de señalar al interior ensoñador de las personas como fuente de terror. El súper-yo estrena películas.

[otsabide]

No me ha resultado simpática, pero hay que reconocerle un par de méritos (...)

Interesante, me gusta leerte cuando resulta que he visto la película.
En mi caso, un comentario más ramplón: la primera me entretuvo más, la segunda en algunos momentos me aburrió. Sí que se aprecia que está más currada: pero a mí, acostumbrado a los relatos con una finalidad más clara, me venía a la cabeza la pregunta "¿ a dónde quiere ir a parar esto?". En la primera peli me gustó la crítica/denuncia de la falta de atención a la salud mental. En esta, no sabía qué querían contarme: ¿los procesos mentales de la demencia? En fin, bien pero no para echar cohetes.

[Super8]

Capi Vidal dedica una breve y aguda videoreseña a la obra de Basilio Martín Patino.



Al hilo de lo que comenta sobre la magistral Queridísimos verdugos, unas declaraciones de la época del rodaje del propio Martín:

Decía Albert Camus: 'Para algunos hombres, más numerosos de lo que se cree, saber lo que es realmente la pena de muerte y no poder impedir que se aplique es físicamente insoportable'. Yo había estado en Carabanchel, pero como era director de cine y se armó un follón porque me habían encarcelado, me dejaron libre. Al abandonar la prisión, quedaban allí cientos de condenados anónimos, los llamados presos comunes. Y continuaban dentro, soportando condenas que hacen sentir como vergüenza cuando se habla del estatuto del preso político. Me acordé mucho de estos presos comunes cuando rodaba la película. Me impresionó brutalmente la ejecución anónima de un pobre ratero asustado e indefenso, cazado a lazo como un conejo, que no llega a enterarse ni de por qué lo matan ni de por qué ha malvivido. Los héroes concienciados y mártires no hacen sino representar un papel elegido por ellos mismos. No tienen derecho a defraudar sin convertirse en indecentes hipócritas. Es el precio de su protagonismo. Mi película es profundamente política, pero en este sentido que te cuento. Aunque debe quedar claro que no la he realizado por los verdugos, a quienes les debe importar un rábano. La he hecho pensando en los de mi clase, que condicionan mis actos.

[Super8]

... me venía a la cabeza la pregunta "¿ a dónde quiere ir a parar esto?". En primera peli me gustó la crítica/denuncia de la falta de atención a la salud mental. En esta, no sabía qué querían contarme...

La clave, creo, está en los dibujos animados del principio: "El Joker y su sombra".

Estoy bastante de acuerdo con esta crítica -tiene spoilers- a la hora de exponer el sentido de la película, pero al revés - lo que para ella son defectos, para mí son méritos: https://herculesdiario.es/entretenimien ... l-publico/

Lo que no comparto es que la película no termine con spoilers "la transformación de Arthur en ese Joker que desataría el terror en la ciudad". A su modo lo hace. Lo que ocurre es que para la película el joker no es una persona, sino una función (de autodestrucción) social.

[asicum]

De la película de "horror corporal" -de cuerpo humano transformándose en cuerpo visceralmente monstruoso y fuente de miedo/asco- que está despertando estos días tanta expectativa, La sustancia (Coralie Fargeat, 2024), tengo que decir que me ha gustado poco como película de cine fantástico, pero que a nivel formal tiene sus puntos de interés.

Película sonora hasta la alevosía -con una banda sonora que teledirige a la audiencia- es, sin embargo, una película prácticamente muda -y las frases hechas que se pronuncian en los pocos diálogos y discursos seguro que podrían haberse omitido y sustituido por otro recurso si la película hubiese querido ser más radical-, pero muda para el siglo XXI. Muda, sí, pero no con afán retrospectivo; su montaje percutante y su avance a golpe de letreros e imágenes de impacto parece buscar un ritmo propio para el cine de tiempos de los contenidos para redes, del dedito moviendo fotos en cascada, pero sin renunciar a usar términos exclusivamente visuales para transmitir -a un nivel abocetado, menos da una piedra- esos cuestionamientos de la idea de identidad personal que permiten las tramas de ciencia ficción.

Desdichadamente, estas virtudes se quedan en el momento del planteamiento y del nudo de la película: en su tercer tiempo, y tras un giro de guión entre demagógico y moralista, la película se limita a gastar la parte inflada de presupuesto de efectos especiales, en medio de tópicos manidos.

Muy de acuerdo. También con migblah de letterboxd.

Debemos huir de la tentación de caer en la trampa de Coralie Fargeat de hablar de la película a partir de las cuestiones controvertidas que trata. Es una operación de encubrimiento de este film, así como de la mayoría de “films evento” (cada vez más, aunque luego su impacto sea nulo) que aparecen cada año, para ahorrarse la dificultad, engorro o inconveniencia de lo más importante: hacer cine. El cine está ausente en esta película, sepultado, secuestrado por conceptos como “body horror”, por su sobredimensionado aparato de efectos de sonido, por su superficial y perfectamente vendible hiperviolencia. The Substance es el enésimo film de autor que nos hace más esclavos de una idea de mercado del cine.

Es una película, y esto ya no es novedad, sin escenas, sin diálogos, sin personajes. Todo son efectos, exabruptos, unidos por una ligera trama que hace que el espectador que habitualmente devora este tipo de productos no se sienta perdido. Es el esquema Malick: un filme de aparente forma “artística”, pero que sólo ofrece tópicos visuales muy masticados con una supuesta mirada innovadora o subversiva, pero sólo dentro de los límites perfectamente aceptables por cualquier espectador. Por si fuera poco, estos pseudo-momentos o escenas, recurren continuamente a tópicos visuales excesivamente masticados. Ya no hablamos de todos los simulacros de shows televisivos, campañas publicitarias y otras cosas de la cultura popular, que la película trata de utilizar a modo de collage visual excesivo, sino de cuestiones formales básicas como cuando la protagonista tira un sobre en la papelera y vemos un plano oscuro desde dentro de la papelera con la tapa abriéndose y el sobre cayendo, o cuando ella reniega de su imagen en una gran fotografía en su sala de estar y en un arrebato de ira le lanza un vaso. Son dos ejemplos de algo que vuelve una y otra vez, y que muestra una película donde no hay nada genuino, ni una mirada propia.

Algunos dirán que se trata de eso, de regurgitar y reciclar imágenes de la cultura popular y resignificarlas. Pero, sinceramente, tras veinte años de ejercicios banales como este “resignificando” el cine, creo que ya estamos escarmentados. Basta ya de cine-dispositivo, de cine simulacro que utiliza las formas del mainstream para “destruirlo”. Lo único que se ha conseguido desde la aparición del vil Tarantino es un cine más pobre, más esclavo, más formateado, y ninguna liberación del espectador.

Tomemos el ejemplo Cronenberg, la principal referencia del film. En el primer Crimes of the Future, Cronenberg parte del lenguaje científico más académico y moroso, así como del diseño y la arquitectura futurista, para exponer sus contradicciones y sus censuras. Lo hace llevando al límite una extenuante negación de la acción, renuncia por completo a los estímulos más básicos. En el segundo Crimes of the Future, niega el exhibicionismo del body horror, que sólo aparece en dos o tres shows separados del resto de la película, la cual se compone mayormente de lo más subversivo que existe en el cine moderno: la palabra y la forma del actor de declamarla. Después de cincuenta años de carrera, Cronenberg llega a la conclusión de que las imágenes impactantes son fáciles de manipular, de reutilizar para los fines más espúreos, pero un actor en posesión de la palabra y de la manera de expresarla es el acto político más poderoso.

Y por eso en The Substance apenas hay palabras. Nunca estamos frente a frente al actor expresándose. En uno de las pocas escenas de diálogo, el vecino pervertido de la protagonista la llama a la puerta, y el intercambio está montado de forma tan ridícula que rara vez vemos salir las palabras de la boca de los actores. Es más importante el paso de un cuerpo a otro que el mensaje que transmiten. Cuando mediada la película, Elisabeth decide llamar a su viejo compañero de instituto, imaginé, con ingenua esperanza, que quizás el film se convertiría en una odisea de una mujer por recuperar su vida y su cuerpo, desde el reconocimiento de su vida y sus circunstancias, e imaginaba una cita en un restaurante de mala muerte con ese hombre lleno de momentos de cierta vergüenza ajena por las que pasan dos personas que se están conociendo. Pero eso implicaría, de nuevo, el esfuerzo por pensar una posición de cámara, unas líneas de diálogo, para poner a dos personas frente a frente. Y Fargeat prefiere el delirio plastificado de ese capitalismo y ese culto al cuerpo que dice aborrecer, pero en el que se sumerge por completo, y donde toda mirada crítica es sometida.

Lo mismo pasa con la supuesta violencia y el mal gusto como forma de epatar al público más convencional. Es una violencia consumible que se nombra, pero que no se muestra. Aparece como un rayo en medio de un torrente de imágenes, pero la cámara nunca permanece allí para enfrentarse de verdad al público. No hay una estética de la violencia como en Fulci o en Romero, ni siquiera como Herschell Gordon Lewis o Jorg Buttgereit. En estos, asistimos a un proceso de desmembramiento, de carne eviscerada, casi filmada como documental gore. Pero en la escena final de The Substance, la del baño de sangre, solo vemos breves momentos entrecortados de lo que está realmente sucediendo, como si fuese un videoclip pasado de vueltas. Ocurre una desgracia, algo abominable, pero no lo vemos. O vemos únicamente una breve muestra, inofensiva, que si causa conmoción y controversia, no es por lo que quiere decir, sino por lo ridículo de crear algo así y mostrarlo de forma tan banal.

Todos podemos estar de acuerdo en lo que la película, más mal que bien, pretende decir respecto al tratamiento del cuerpo de la mujer como un objeto de consumo y de las consecuencias emocionales de las mujeres que ya no cumplen ese estándar, pero en ningún momento la película consigue ponerse fuera de ese mundo de imágenes terribles. Si provoca es por su sensacionalismo desbordante, por apostar por un festival de gritos y efectos de sonido que nunca se ha visto en el cine. Pero esta moda de películas dopadas y ebrias de efectos solo nos llevan a un estado de mayor manipulación. No provocan por su exposición de los problemas, ni lo subversivo de su mensaje, sino por un exhibicionismo emocional. Como en los mitines de odio que describía Orwell en 1984, donde algunos participantes gritaban de forma casi involuntaria, alentados por la muchedumbre, por el espectáculo audiovisual que se ofrecía. Es la manipulación última del arte utilizado como arte arrojadiza.

The Substance es una película inmensamente mala. Bochornosamente mala. Sonrojantemente mala. Abominablemente mala. Monstruosamente mala. Un filme que muestra toda una galería de monstruos inaguantable, pero todos ellos no dejan de ser víctimas de los auténticos montruos: la directora Coralie Fargeat, el diseñador de producción Stanislas Reydellet o los encargados del folley sonoro del film.

https://letterboxd.com/migblah/film/the-substance/

[Super8]

Muy de acuerdo. También con migblah de letterboxd.

Bueno, yo diría que tampoco es cosa de ponerse una tan recta, que al final se te puede romper el esqueleto. Frente a la cultura de masas, como frente al anarcosindicalismo, no hay porque ser ni apocalíptico ni integrado, sino entender porque ocurren las cosas y sacarles partido. Esta de La sustancia es una película hecha para una audiencia contemporánea y explorando sus hábitos; a mayores, ha añadido un montón de citas cinéfilas para que los críticos y los listos con barbita tengan algo que decir sobre ella sin mucho esfuerzo. Es una jugada comercial, ¡sorpresa!, pero dentro de ella hace un esfuerzo, como se ha hecho siempre. Ya dije que a mí me parece que cojea de muchas cosas, pero no me parece ofensiva.



Yo la película de este cartel -un documental sobre un guitarrista flamenco- no la he visto, pero me cruce con mucha gente de mi edad -cincuenta años- que salía de verla en su estreno de la semana de cine de Valladolid. A esa gente le gustó mucho, pero se sorprendían de que el director, Antón Álvarez, fuese ese músico al que conocen -¡y denostan!- por su alias de C. Tangana. Pero es que resulta que incluso colocar un producto en una cultura que consideras adocenada exige talento y capacidad de leer la realidad, y eso lo ha debido mostrar Antón Álvarez trabajando en otro registro, como lo ha mostrado en sus producciones más conocidas. No empatizar con la cultura mayoritaria entre ciertas generaciones -por criterio o por haber tenido otra educación- no significa que sea despreciable; despreciarla es caer en esa actitud absurda ante el arte contemporáneo de "eso lo hace un niño de cinco años", como si un niño de cinco años pudiese hacer un Mondrian -a veces hacen cosas mejores, pero luego les enseñan a dibujar en el colegio y lo frustran; bueno, otra historia-. Hay que ser receptivas.

[otsabide]

Pues toda esa crítica será verdad, no digo que no. Pero a mí me ha gustado mucho, la forma y el mensaje. Particularmente, el contraste de la pulcritud de los espacios en unos momentos, con la suciedad extrema en otros. De hecho, me ha hecho gracia que lo más gore de la película sea la imagen de Dennis Quaid comiendo gambas. Y bueno, con la fiesta de sangre final me he reído bastante. Como referencias, voluntarias o no, me venían a la cabeza El Ocaso de los Dioses, El Hombre Elefante, y The Fist Of Jesus.

[Super8]

SALAPÍN, SALAPÓN | “El secreto es no estar quiero. Al destino hay que ayudarlo… La ilusión es muy bella, pero vuela, porque tiene alas como los pájaros; por eso un día puede volar y abandonarnos, pero también, como tiene alas, un día puede volver”.

Trapito (Manuel García Ferré, 1975).

Sin dejar de sonreír, Manuel García Ferré, que nació en Almería, España, en 1929 –poco antes del inicio de la Guerra Civil Española–, recordó su dura infancia, durante la cual despertó su pasión por dibujar: "Siempre me ha gustado hacer caricaturas, dibujos, hacer muñecos. Cuando era chico me hacía mis propios juguetes con alambres, con maderas, me gustaba facilitar con las manos hasta la escultura. Tenía cierta técnica".

A los 17 años llegó a la Argentina, donde desarrolló ese talento. Trabajó en agencias de publicidad mientras estudiaba Arquitectura, carrera que le dio la técnica que luego desarrolló en los dibujos que crecieron junto a tres generaciones de niños.

Los personajes de García Ferré poseen características muy humanas que él mismo describió: "Los valores que mueven a todos mis personajes yo los saco de la misma humanidad, los saco de la calle y la experiencia aporta muchísimo. La ilusión, la magia y el encanto que tiene el dibujo animado, en el cine me maravilla. Lo voy a seguir haciendo hasta que Dios me dé fuerzas".

En 1975, la productora García Ferré llevó a la pantalla grande Trapito, la historia de un niño espantapájaros sin ilusiones pero que tras una fuerte tormenta conoce a Salapín, un gorrión a quien salvó de morir ahogado y que, a su vez, lo rescata de esa vida clavado a la tierra. Luego de dar los primero pasos, Trapito es llevado a escuchar los consejos de El Patriaca de los Pájaros. Fue el sabio pájaro el que le dio una ilusión para vivir: el mismo Salapín era ilusión que el niño de paja debía seguir.

"Trapito tiene un guión que emociona mucho, un alma que es universal: que la gente se ilusione. Es una persona que está clavada, no se mueve, pero el ser humano con ilusiones va a cualquier parte; tan es así, que para mí la vida es una ilusión, de otra ilusión seguida, y siguiendo a la ilusión se nos va la vida", dijo García Ferré con ojos llenos de recuerdos y nuevas esperanzas. También avisó que le gustaría ver esta película en 3D.

Imaginando la emoción de quienes de niños vieron Trapito en el cine, quizás hasta apretando a un muñequito entre las manos, dijo: "Llorar es sano porque es demostrar que hay corazón, que hay sentimientos, que hay bondad. Se llora cuando realmente hay una causa que provoca el llanto, pero si la realidad me lleva a esa situación, tampoco la ignoro. Llorar es muy humano, lo mismo que reír. Son los dos extremos que nos hacen diferentes a cualquier otra especie: saber reír, saber llorar".